(лат. abstractio – удаление, отвлечение) – беспредметное, нефигуративное искусство – форма изобразительной деятельности, не ставящая своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности. Абстрактная живопись, графика, скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами.

Истоки абстрактной живописи и время создания первой абстрактной картины не установлены. С уверенностью можно говорить только о том, что между 1910 и 1915 годами многие европейские художники пробовали себя в беспредметных, нефигуративных композициях (в живописи, рисунке, скульптуре). Среди них: Р.Делоне, М.Ф.Ларионов, Ф.Пикабиа, Ф.Купка, П.Клее, Ф.Марк, А.Г.Явленский, У.Бочиони, Ф.Маринетти и др. Самые оригинальные и известные – В.В.Кандинский, П.Мондриан, К.С.Малевич. «Изобретателем» абстракции обычно называют Кандинского, имея в виду его акварели 1910–1912 и его теоретические работы, которые объективно свидетельствуют о самодостаточности искусства, указывают на его способность своими собственными средствами создавать некую новую реальность. И в практике, и в теории Кандинский был наиболее решительным и последовательным из тех, кто в это время подошел к черте, отделяющей фигуративность от абстракции. Невыясненный вопрос о том, кто первым пересек эту черту, не имеет принципиального значения, так как в первые годы XX в. новейшие течения европейского искусства вплотную приблизились к этой границе, причем все указывало на то, что она будет опрокинута.

Абстракция вопреки бытующим представлениям не является стилистической категорией. Эта специфическая форма изобразительного творчества распадается на несколько направлений. Геометрическая абстракция, лирическая абстракция, жестикуляционная абстракция, аналитическая абстракция и более частные течения, такие, как супрематизм, аранформель, нюажизм и т.д.

Стили абстрактного искусства складываются из тех же стилеобразующих элементов, что и стили фигуративного. Об это свидетельствует, в частности, тот факт, что монохромная живопись – холст, закрашенный одним тоном, – находится в таком же нейтральном отношении к стилю, как абсолютно натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – это особый вид изобразительной деятельности , функции которой сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Ускоряющаяся смена эстетических установок в искусстве берет начало в революционных преобразованиях в культуре, науке и технике XX в. В искусстве новые тенденции становятся заметны уже в первой половине XIX в. В это время в европейской живописи можно видеть одновременно совершенствование натуралистической техники (Ж.Энгр, Ж.-Л.Давид, Т.Шассерио) и нарастающую тенденцию к условности (К.Коро, Э.Делакруа, Ф.Гойя); последняя особенно заостряется в английской живописи – у Р.О.Бонингтона и особенно У.Тернера, чьи картины Солнце, восходящее в тумане … (1806), Музыкальный вечер (1829–1839) и некоторые другие работы представляют самые смелые обобщения, граничащие с абстракцией. Обратим внимание на форму, но также и на сюжет одной из его последних работ – Дождь, пар, скорость , которая изображает паровоз, мчащийся сквозь туман и пелену дождя. Эта картина, написанная в 1848, – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

С середины XIX в. живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно непосредственному изображению. Все более интенсивно разворачиваются поиски новых изобразительных средств, способов типизации, повышенной экспрессии, универсальных символов, сжатых пластических формул. С одной стороны, это направлено на отображение внутреннего мира человека – его эмоциональных психологических состояний, с другой – на обновление видения предметного мира. В 1900-е годы открытие – вначале в Испании, а потом во Франции – первобытного и чуть позднее традиционного («примитивного») искусства решительно меняет представление о значении условных форм в изобразительном искусстве.

Состояние, в котором находится в это время искусство, можно назвать перманентной эстетической революцией; главные события происходят во Франции. Универсальная международная выставка 1900 в Париже, на авеню Николая II, была первой официальной экспозицией, включавшей работы еще «скандальных» в это время художников: Э.Мане, К.Моне, О.Ренуара и других импрессионистов, а также П.Гогена и П.Сезанна. В 1904 новейшая французская живопись, показанная в Германии, произвела ошеломляющее впечатление на немецких художников и послужила толчком к созданию молодежного Союза, в который вошли будущие знаменитые экспрессионисты: Э.Л.Кирхнер, К.Шмидт-Роттлюф и др.

С 1905 по 1910 в западноевропейском искусстве происходит последовательная «деконструкция» классической изобразительной системы, радикальная смена эстетических установок. После того как импрессионизм – впервые в истории искусства – внес в живопись структурные (нестилистические) изменения, французские фовисты и немецкие экспрессионисты меняют отношение к цвету, рисунку, которые окончательно выходят из подчинения натуре. Затем кубизм освобождает живопись от нарративности повествовательного сюжета.

Если живопись, так же как другие искусства, – это не столько демонстрация мастерства – создание произведения, сколько способ самовыражения, тогда абстрактное искусство надо признать наиболее продвинутой ступенью изобразительной деятельности. Это «восхождение» демонстрирует творческая эволюция пионера абстракционизма – Кандинского, которая проходит ряд этапов, включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись, прежде чем выйти в свободное пространство цвета и линии. Абстрактная композиция – это тот последний, молекулярный, уровень, на котором живопись еще остается живописью. Дальше – распад.

«Доказательством моего бытия, – говорит один из современных художников, – является не мое имя, мое тело – они исчезнут в океане времени, а вымысел, создание видимости» (Francllin C. Jean Le Gac. Цит. по: Милле К. . Минск, 1995, с. 235).

Творчество – самый интимный, аутентичный способ самоутверждения, в котором остро нуждается человек. Эта потребность охватывает все большие массы людей (о чем, в частности, свидетельствуют учащающиеся жестокие способы коллективного и индивидуального утверждения своей аутентичности).

Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску. В то же время это прямая реализация свободы.

В США подъем абстракционизма начинается уже в середине 1940-х. Первыми заметными фигурами в это время, кроме ученика П.Мондриана Дж.Поллока, были Б.Диллер, М.Тобей, Б.У.Томлин, А.Горки. Среди тех, чье творчество позднее оказало влияние на европейскую живопись, – Б.Ньюмен, М.Ротко, Ф.Клин, Р.Раушенберг, У.Кунинг, А.Рейнхардт.

Один из первых послевоенных французских абстракционистов, воспринявших уроки американской живописи, – П.Сулаж. Его не лучшие работы напоминают экспрессивные абстракции Ф.Клина. Работы Г.Хартунга ближе к первоистоку европейской абстракции – Кандинскому. В числе европейских художников, самостоятельно пришедших к абстракционизму в послевоенные годы, Ж.Фотрие, Ж.Матье, Ж.-П.Риопель, Дж.Капогросси, М.Эстев, А.Ланской, С.Поляков, Р.Биссьер и Ж.Базен. Особенно влиятельными во Франции в послевоенные годы были Ж.Базен и Р.Биссьер. Пережила всех и продолжает расти в цене и популярности живопись Н. де Сталя, колеблющаяся, как и живопись Биссьера и отчасти Базена, на тонкой грани между полной абстракцией и намеком на фигуративность.

В 1950 в Париже появляется первая мастерская, в которой художники Ж.Девань и Э.Пиле учат молодежь избавляться от реалистического видения, создавать картину исключительно живописными средствами и использовать в композиции не более трех тонов, так как «цвет определяет форму» (надо стремиться к тому, чтобы найти точный цвет). В начале 50-х абстрактные композиции создает А.Матисс. Абстрактная картина Деваня Апофеоз Марата (1951) была встречена с большим энтузиазмом. Критики писали, что это не только интеллектуальный портрет пламенного трибуна, но, кроме того, «праздник чистого цвета, динамичной игры кривых и прямых линий», «эта вещь – доказательство того, что абстракция выражает не только духовные ценности, но так же, как фигуративное искусство, может обращаться к событиям историческим и политическим».

В начале 50-х во Франции становится популярна «лирическая абстракция» Ж.Матье. Ему принадлежит высказывание, которое отражает новый подход к искусству: «Законы семантики действуют по принципу инверсии: поскольку дана вещь, для нее подыскивается знак, если дан знак, он утверждает себя, если находит воплощаемое». То есть сначала создается знак, потом подыскивается его смысл. В классическом искусстве смысл ищет воплощения (первично означаемое).

В начале 50-х в нью-йоркской галерее Бетти Парсон, где в конце 40-х впервые были выставлены работы Ганса Хофмана и Дж. Поллока, появляются новые имена – Барнет Ньюмен и Роберт Раушенберг.

Стилистика американской абстракции 50-х годов отличается прямолинейным геометризмом : Б.Диллер, А.Рейнхардт, У.Кунинг, Ф.Клин, М.Ротко, Б.Ньюмен, Р.Раушенберг (исключение – А.Горки, отчасти М.Тобей и А.Готлиб). Эта стилистика связана с нью-йоркской школой, внезапно приобретающей международную известность.

Искусство всегда было, в той или иной мере, средством самовыражения. Личность, опосредованно запечатлевавшая себя в нормативных структурах Больших стилей, в Новое время сама создает для себя такие структуры.

С выходом в абстракцию творческая личность получила свободу. Некорректируемые вчуже, линия, цвет, фактура становятся авторским факсимильным отпечатком. Теоретически ничто не мешает запечатлению личности в пластической, графической, живописной проекциях, в которых как и чт о сливаются воедино («Мой рисунок – это прямое и самое чистое воплощение моих эмоций», – говорит Матисс. L"Aventure du XX siecle . Paris, 1998. P. 511).

С другой стороны, и мера отчуждения, которую допускает абстракция, превосходит все существовавшее раньше. Живописный конструктор супрематизма предполагает небывалое по своим возможностям удовлетворение эстетических потребностей.

Как фактор стилеобразующий, абстракция безгранично расширяет возможности воплощения двух противоположных сущностей – уникального и универсального. Тексты, художественные изделия всех времен свидетельствуют о том, что автор в той или иной мере говорил о себе всегда, но все же никогда так осознанно обстоятельно и откровенно, как в XX в.

В сумме факторов (изобретение фотографии, научные и квазинаучные теории цвета и света и др.), определивших в Новое время основной вектор изменений в искусстве – движение от натурализма к абстракции, первое место занимает индивидуализация творчества – превращение его в прямую проекцию личности.

Прямая проекция темперамента – жестикуляционная живопись – рождается в Америке. Победа нового искусства в Америке может показаться неожиданной, если вспомнить о возмущении американцев, впервые увидевших в 1913 большую выставку европейского авангарда. В военное и послевоенное время американцы могли убедиться, что вложения в искусство надежны и доходны. Тот, кто вовремя осознал доходность современного искусства, получил шанс сказочно разбогатеть (Пегги Гуггенхейм, Бетти Парсон и др.). Почти все классики европейского авангарда оказались во время войны в США в положении эмигрантов. Самый знаменитый из американских абстракционистов – Поллок, ученик Мондриана, а его успех – это успех галереи Бетти Парсон.

В начале 1960-х в обновленном виде абстрактное искусство возвращается из Америки в Европу. «Это становится открытием, – пишет К.Милле, – для тех, кто еще окончательно не выработал свое художественное кредо… Сначала абстрактное искусство (чаще всего американское) изучается по репродукциям». «Девад с юмором отмечает, что, имея доступ к американской живописи только через фотографии журнала „Артфорум", он избрал для работы формат почтовой марки, тогда как Виалла, напротив, думая, что Джексон Поллок использует большой формат, все более увеличивает и формат своих работ! Только немногие, как, например, Девад или Бюрен и Пармантье, смогли увидеть американскую живопись своими глазами» (Милле К. Современное искусство Франции . Минск, 1995, с. 156).

Первые выставки американской живописи в Париже организуются в начале 60-х, самая представительная, «Искусство реальности» (1968), развернутая в Гран-пале, была посвящена целиком абстрактному американскому искусству. Американское влияние на европейское искусство приходится на годы холодной войны. В эти десятилетия горизонтально организованная демократическая структура жестко противостоит вертикально организованной коммунистической. Абстрактное антинормативное искусство – в немалой степени из-за его отторжения в СССР – становится символом свободного творчества, которое противостоит фигуративному нормативному «социалистическому реализму». В годы холодной войны централизованная структура – не обязательно левая или правая – для интеллектуала ассоциируется с идеей подавления личности. На государственном уровне воплощением идеально организованной структуры являются противостоящие друг другу гигантские военные монстры, угрожающие гибелью всему живому. Возможно, здесь подсознательные истоки новых тенденций в абстрактном искусстве – тенденции к декомпозиции, децентрализации. Эти настроения воплощаются в американской живописи all over, которая упраздняет компоновку кадра картины, превращая живопись в красочное поле или просто в окрашенную поверхность (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Полицентричное состояние художественного пространства предполагает автономное существование сильной творческой личности, которая сама в состоянии утвердить свой индивидуальный стиль, метод, направление (напомним, что в 50-е годы еще работали крупнейшие мастера первого эшелона авангарда – А.Матисс, А.Дерен, Ж.Брак, П.Пикассо и др.).

Во второй половине 50-х появляется первая абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», – Cysp I Никола Шёффера. Александр Кальдер после «мобилей», имевших успех, создает свои «стабили». Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма – оп-арт.

В то же время, почти одновременно в Англии и США, появляются первые коллажи, использующие этикетки массовых изделий, фотографии, репродукции и тому подобные предметы новой стилистики поп-арта. На этом фоне успех скромного экспрессиониста Бернара Бюффе представляется неожиданным. Его стилистика (определенность форм, уравновешенная композиция) коррелирует с такими явлениями, как Падение Икара Пикассо во дворце ЮНЕСКО, абстрактными полотнами Ф.Хундертвассера, монументальным стилем К.Клапека, монохромными конструкциями М.Е. Виеры-да-Сильвы.

Одна из первых попыток структурного анализа постклассического художественного творчества принадлежит Умберто Эко. Жестикуляционная живопись Дж. Поллока, по мнению Эко, оставляет зрителю полную свободу интерпретации. Сравнивая такую живопись с «мобилями», семантическими играми поэзии и музыкальными композициями конца 50-х, Эко пытается выявить общую для них структуру «свободного взрыва», в котором, как он считает, происходит «слияние элементов, подобное тому, которое использует традиционная поэзия в своих лучших проявлениях, когда звук и смысл, условное значение звука и эмоциональное содержание сливаются воедино. Этот сплав и есть то, что западная культура считает особенностью искусства: эстетическим фактом», пишет Эко (Eco U. L"Oeuvre ouverte . Paris, 1965. Цит. по: L"Aventure de l"art au XX-e siecle . Paris, 1988. Р. 597).

Искусство 60-х – это взрыв инноваций и окончательное признание музеями различных нетрадиционных явлений, появившихся в 50-е.

Знаменитая нью-йоркская школа живописи, ставшая в 50-х высшим авторитетом в своей области, началась с обращения к абстракции ее зачинателей: Дж. Поллока, М.Ротко, У.Кунинга. До второй половины 40-х американская живопись оставалась ничем не примечательной. Ее провинциальность и консерватизм не содержали в себе ничего специфического, кроме известной сдержанности, холодности и аскетизма. Позднее это наследие пуританизма нашло выход в стилистике абстрактного экспрессионизма.

Кроме названных, американская живопись 50-х представлена именами Б.Диллера, А.Рейнхардта, М.Тобей, Б.У.Томлина, К.Стила, Ф.Клина, А.Готлиба, Б.Ньюмена, Г.Хофмана, Дж. Алберса, Р.Кроуфорда. При отчетливом различии направлений и индивидуальных манер американская живопись 50-х демонстрирует ясность, определенность, однозначность, уверенность. Иногда – с некоторой избыточностью – принимающей агрессивный характер. Художники этого поколения знают, чего хотят, уверены в себе, жестко утверждают свое право на самовыражение.

В живописи 60-х от этого периода остается наименее агрессивная, статичная форма – минимализм. Основатель американской геометрической абстракции Барнет Ньюмен и в еще более очевидной форме А.Либерман, А.Хельд, К.Ноланд, так же как несколько раньше Б.Диллер, успешно развивают идеи неопластицизма и супрематизма.

Новое течение американской живописи, получившее название «хроматической» или «постживописной» абстракции, исходит из горизонта фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступают место живописи созерцательного меланхолического склада.

Стиль Элен Франкенталер, Мориса Луиса отличается мягкими контурами, тонкими цветовыми нюансами, неопределенными очертаниями. Геометрическая абстракция также переходит в регистр округлых форм (А.Либерман, А.Хельд).

Американская живопись 70-х возвращается к фигуративности. Считается, что 70-е – это момент истины для американской живописи, которая освобождается от питавшей ее европейской традиции и становится чисто американской. Происходящее выглядит так, если только считать, что абстракция чужда американскому «национальному духу». Показательно, что выступления против абстрактного искусства, по существу своему космополитического, принадлежащего мировой цивилизации, как правило, исходили и исходят от коллективистских идеологий, подавляющих личность.

С точки зрения продолжающейся трансформации стиля (от жесткого геометризма к биоморфизму) происходящие перемены следовало бы интерпретировать, наоборот, как отход от коренных пуританских добродетелей – аскетизма, решительности, твердости, определенности.

Считается, что американская живопись 70-х скорее «душевна», нежели «духовна». «Живопись семидесятых, – пишет Барбара Розе, – на самом деле не только более разнообразна, более гетерогенна и плюралистична, чем живопись шестидесятых, но она также значительно интимнее, поэтичнее и более личностна. Живопись вновь наполняется содержанием уникальным и субъективным» (Rose B. La peinture americaine le XX ciecle . Paris – Zurich, 1992. P. 126).

В живописи 80-х видят едва ли не полный «возврат к эстетике реалистического искусства». Однако, несмотря на возвращение традиционных форм, от портрета до исторической и жанровой живописи, ничто из появившегося в предыдущие десятилетия не исчезает. Преодолена не абстракция, но ее канонизация, запреты на фигуративное искусство, на «низкие» жанры, на социальные функции искусства.

При этом стиль абстрактной и абстрактно-фигуративной живописи приобретает отсутствовавшую прежде мягкость – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие колористические оттенки (ср. работы Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверса, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброда). Не исчезает полностью и жесткий стиль; он отходит на задний план и продолжает существовать в творчестве геометристов и художников-экспрессионистов старшего поколения (Х.Бухвальд, Д.Ашбауг, Дж. Гарет и др.).

Живопись как средство самовыражения не уступает музыке в воплощении «невыразимого», а при необходимости может быть более конкретной, чем слово. Обладая во всем объеме средствами рисунка и пластическими возможностями скульптуры, воссоздавая иллюзию пространства реального и фантастического, значительно превосходя скульптуру в возможностях манипуляции объемами, живопись обладает своим собственным уникальным средством – цветом.

Возможности цвета, раскрытые французскими импрессионистами, с выходом живописи в абстракцию были развернуты еще шире. Мнение о том, что живопись сегодня является анахронизмом, бытует потому, что наш век – это век музыки, а также потому, что, думая о живописи, представляют себе грунтованный холст, натянутый на подрамник, покрытый слоем краски и лака, – некий музейный экспонат. Но живопись – это процесс, мир открытых возможностей – остановленных мгновений, явления вожделенных образов, приключений, конфронтации, размышлений, освобождения от избыточности, восполнения недостаточности, это акт самоутверждения и прямая проекция интуиции, демонстрация мастерства и возможность открытий. Особенно хорошо это знают те, кому посчастливилось, войдя в мир абстрактной живописи, свободно реализовать эту возможность.

ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ. ПОРТРЕТ ЖЕНЫ НИНЫ ВИЛЛЕМ ДЕ КУНИНГ. АБСТРАКЦИЯ

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstraite . Paris, 1957
Ponente N. Peinture moderne. Tendences contemporaines . 1940–1960. Skira, 1960
Vallier D. L"art abstrait . Paris, 1967
Art 1998 . Chicago at Navy Pier . Chicago, 1998

Найти "АБСТРАКЦИОНИЗМ " на

В начале ХХ века появилось новое течение в искусстве - модернизм. Новые постулаты предполагали отказ от некоторых традиций Формулировка о том, что "прошлое тесно", стала модной и в достаточно короткий срок обрела множество поклонников. Ведущая роль в происходящих переменах принадлежала абстракционизму, который объединял ряд течений, возникших на основе модернизма, таких как футуризм, кубизм, экспрессионизм, сюрреализм и другие. Абстракции в живописи были приняты обществом не сразу, однако вскоре новый стиль доказал свою принадлежность к искусству.

Развитие

К тридцатым годам ХХ века течение абстракционизма набрало силу. Основоположником нового направления в искусстве живописи был Василий Кандинский, один из самых прогрессивных художников того времени. Вокруг мэтра образовалась целая плеяда последователей, для которых основой творчества стал процесс изучения состояния души и внутренних интуитивных ощущений. Художники игнорировали реальность окружающего мира и выражали свои чувства в абстрактном искусстве. Некоторые полотна ранних последователей нового жанра понять было невозможно. Картины абстракционизма обычно не несли никакой информации, и неподготовленные посетители выставок и вернисажей зачастую пребывали в растерянности. Прилагать аннотации к картинам тогда было не принято, и каждый ценитель живописного творчества мог опираться только на собственное видение.

Мэтры и основоположники

Среди наиболее ярких последователей нового течения были известные абстракционисты Василий Кандинский, Наталья Гончарова, Питер Мондриан, Казимир Малевич, Михаил Ларионов. Каждый из них придерживался своего направления. Картины абстракционизма в исполнении известных художников постепенно становились узнаваемыми, и это способствовало пропаганде нового вида искусства.

Казимир Малевич творил в русле супрематизма, отдавая предпочтение геометрической основе для самовыражения. Динамика его композиций на холсте исходила из беспорядочного на первый взгляд сочетания прямоугольников, квадратов, окружностей. Расположение фигур на полотне не поддавалось никакой логике, и в то же время картина производила впечатление строго выверенного порядка. В искусстве абстракции достаточно примеров, в корне противоречащих друг другу. Первое впечатление при знакомстве с картиной может оставить человека равнодушным, а через некоторое время полотно уже покажется интересным.

И Михаил Ларионов следовали направлению лучизма, техника которого заключалась в неожиданном пересечении прямых лучеобразных линий разных цветов и оттенков. Красочная игра на картине завораживала, фантастические комбинации пересекающихся лучей чередовались в бесконечных комбинациях, и полотно при этом излучало поток энергии.

Ташизм

Художники-абстракционисты Делоне и Купка представили свое собственное искусство. Они старались добиться максимального эффекта путем ритмичного пересечения красочных плоскостей. Представители ташизма, живописного рисунка, получаемого в результате хаотичного нанесения крупных мазков при абсолютном отсутствии сюжетной составляющей, так выражали свое художественное кредо. Абстракция маслом в стиле ташизма является самой сложной, живопись в этом жанре можно воспринимать в бесконечном количестве толкований, и каждое будет считаться верным.Однако последнее слово все-таки остается за критиками и искусствоведами. При этом сам стиль абстракционизма никак не ограничен какими-либо рамками или условностями.

Неопластицизм

И если картины были примером бессмысленности, то голландский живописец-абстракционист Петер Мондриан ввел в обращение строгую систему взаимодействия крупных фигур с прямыми углами, которые на полотне контрастировали друг с другом и вместе с тем каким-то непостижимым образом объединялись в одно целое. Творчество Мондриана носит название "неопластицизм". Оно получило наибольшее распространение в двадцатые годы прошлого столетия.

Чех Франтишек Купка создавал картины, на которых доминировали фигуры круглые и закругленные, усеченные окружности и срезанные с одной стороны круги, которые вдруг продолжались черными изломанными линиями, вызывающими тревогу и беспокойство. Полотна Купки можно было рассматривать часами и находить в них все новые нюансы.

Создавая свои картины, художник-абстракционист старается отойти от привычных образов. Сначала не признанные сюрреалистические работы Кандинского, Малевича, Мондиана и других впоследствии вызывали горячие споры среди противников и поклонников нового искусства.

Экспрессия

Еще один в живописи - это экспрессионизм, манера быстрого рисунка на большом полотне с использованием подчеркнуто неогеометрических штрихов, наносимых с помощью широких кистей-флейцев, при этом крупные капли краски могут падать на расстеленный холст, как попало. Экспрессия такого метода является главным и единственным признаком принадлежности к искусству.

Орфизм - одно из направлений французской живописи, получившее развитие в двадцатых годах прошлого века. Художники, придерживающиеся этого течения, старались выразить свои устремления путем ритмичного движения и условной музыкальности, при этом ими широко применялась методика взаимного проникновения цветов и пересечения контуров.

Пабло Пикассо

Кубизм как отражение абстракции в живописи характеризуется использованием геометрических форм, обозначаемых не явно, а с некоторой степенью условности. Неправильные круги, прерывистые линии, углы и изломы - все это могло располагаться по определенной логической схеме и вместе с тем с вопиющей хаотичностью. Ярчайшим представителем кубизма был и остается испанский художник Пабло Пикассо (1881 - 1973 гг.), который по праву считается родоначальником этого направления в живописи.

Эксперименты с цветом (голубой период, розовый период) плавно перешли в изменение форм, нарочитую деформацию и деструкцию натуры. Примером таких картин можно считать полотно написанное в 1907 году, когда абстракции в живописи только начинали набирать силу. Так, творчество Пикассо привело некоторых художников того времени к совершенно новому жанру, который полностью отвергал традиции натурализма и познавательное значение изобразительного искусства.

Далекое прошлое

Картины художников-абстракционистов начала ХХ века совершили переворот в живописи того периода, на волне многочисленных течений и направлений художественного творчества появились мастера кисти, которые сумели доказать, что абстракция - это вполне самостоятельный вид изобразительного искусства, часть культуры.

Современный абстракционизм

В настоящее время абстракционизм принял несколько другие формы, отличные от тех, которые были в период расцвета этого достаточно спорного вида изобразительного искусства. Современный язык абстракции сегодня - это Известные художники, такие как Андрей Пелих, Валерий Орлов, Марина Кастальская, Андрей Красулин, вкладывают в него представления о духовном на уровне метафизики, а также используют оптические законы в палитре белых оттенков.

Высшее напряжение цвета возможно только в белой ипостаси, этот цвет - основа всех основ. Кроме цветового аспекта, в современной абстракции существует также фактор смысловой нагрузки. Знаки и символы, возникающие из глубины сознания, несут признаки архаики. Художник-абстракционист современности Валентин Герасименко использует в своих картинах образы древних рукописей и манускриптов, которые позволяют широко трактовать тему далекого прошлого.

Абстракционизм - сравнительно молодое среди направлений искусства. Годом его зарождения официально признан 1910 год, когда художником Василием Кандинским было выставлено первое полотно в новой технике, написанное акварелью.

Представители абстракционизма берут в качестве основы для создания собственных шедевров простые и сложные формы, линии, плоскости и играют с цветом. К реальным предметам то, что получается в итоге, не имеет никакого отношения. Это произведение, которое доступно только сверхсознанию через чувственный мир личности.

В течение десятилетий после появления первой работы в данной стилистике, абстракционизм претерпевал разные изменения, активно внедрялся в другие авангардные направления.

(Абстракция от Carol Hein )

В рамках абстракционизма людьми искусства были созданы многочисленные картины, скульптуры, инсталляции. Отдельные элементы использовались и продолжают с успехом внедряться, в том числе, и в интерьеры современных помещений.

На сегодняшний день абстрактное течение в искусстве делят на геометрическую и лирическую абстракцию. Для геометрического направления абстракционизма характерны строгие и четкие линии, устойчивые состояния. Лирическая абстракция характеризуется свободной формой и демонстрацией динамики, заданной мастером или художником.

Абстракционизм в живописи

Именно с живописи и начал абстракционизм свое развитие. На холсте и бумаге он был явлен миру путем игры цвета и линий, воссоздающих нечто, что не имело никаких аналогов в реальном предметном мире.

(...и более понятная абстракция от Carol Hein )

Яркими представителями абстракционизма считаются:

• Кандинский;
• Малевич;
• Мондриан.

Позже у них было множество последователей, каждый из которых вносил свою художественную лепту, применяя новые техники нанесения красок и новые принципы создания абстрактной композиции.

(Василий Васильевич Кандинский "Композиция IV" )

Основатели направления, создавая свои шедевры на холсте, опирались на новые научные и философские теории. Например, Кандинский, обосновывая собственные художественные творения, апеллировал к теософским трудам Блаватской. Мондриан был представителем неопластицизма и активно использовал в своих работах чистые линии и цвета. Его картины неоднократно копировались многими представителям сферы живописи и искусства. Малевич являлся ярым приверженцем теории супрематизма. Главенство в искусстве живописи мастером было отдано цвету.

(Казимир Малевич "Композиция из геометрических фигур" )

В целом, абстракционизм в живописи оказался для простых обывателей двояким направлением. Один считали подобные работы тупиковыми, вторые - искренне восхищались теми идеями, которые художники закладывали в свои творения.

Несмотря на хаотичность линий, форм и цветов, картины и произведения искусства в стилистике абстракционизма создают единую и целостно воспринимаемую зрителями композицию.

Направления искусства абстракционизм

Работы в стиле абстракционизма сложно четко классифицировать, так как у данного направления имеется множество последователей, каждый из которых вносил свое виденье в развитие. В общем, его можно разделить по типу преобладания линий либо техник. На сегодняшний день выделяют:

• цветовой абстракционизм. В рамках данных работ художники играют с цветами и оттенками, ставя акцент в работах именно на восприятие их сознанием смотрящего;
• геометрический абстракционизм. У данного течения имеются свои строгие характерные отличия. Это четкие линии и формы, иллюзия глубины и линейные перспективы. Представителями этого направления являются супрематисы, неопластицисты;
• экспрессивный абстракционизм и ташизм. Акцент в этих ответвлениях делается не на цвета, формы и линии, а на технику нанесения краски, посредством которой задается динамика, передаются эмоции и отражается бессознательное художника, работающего без какого-либо предварительного плана;
• минималистичный абстракционизм. Это течение ближе к авангарду. Суть его сводится к отсутствию отсылок на какие либо ассоциации. Лини, формы и цвета используются лаконично и по минимуму.

Зарождение абстракционизма, как направления в искусстве, стало итогом витавших вначале прошлого века изменений, связанных с новыми многочисленными открытиями, которые стали продвигать человечество вперед. Всему новому и еще непонятному требовалось такое же объяснение и выход, в том числе, и через искусство.

В прошлом веке абстрактное направление стало настоящим прорывом в истории искусства, но вполне закономерным — человек всегда находился в поиске новых форм, свойств и идей. Но и в нашем веке этот стиль искусства вызывает немало вопросов. Что же такое абстракционизм? Поговорим об этом далее.

Абстракционизм в живописи и искусстве

В стиле абстракционизм художник использует визуальный язык форм, контуров, линий и цветов, чтобы интерпретировать предмет. Это контрастирует с традиционными формами искусства, которые получают более литературную интерпретацию предмета - передают «реальность». Абстракционизм же уходит как можно дальше от классического изобразительного искусства, насколько это возможно; представляет предметный мир совсем не так, как в реальной жизни.

Абстракционизм в искусстве бросает вызов уму наблюдателя, точно так же, как и его эмоциям - чтобы полностью оценить произведение искусства, наблюдатель должен избавиться от необходимости понять, что художник пытается сказать, а должен сам почувствовать ответную эмоцию. Все аспекты жизни поддаются интерпретации через абстракционизм — вера, страхи, страсти, реакция на музыку или природу, научные и математические вычисления, и т. д.

Это направление в искусстве возникло в XX веке, наряду с кубизмом, сюрреализмом , дадаизмом и другими, хотя точное время неизвестно. Основными представителями стиля абстракционизм в живописи принято считать таких художников, как Василий Кандинский, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Об их творчестве и важных картинах речь и пойдет дальше.

Картины известных художников: абстракционизм

Василий Кандинский

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия - делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

«Композиция IV» (1911)

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве.

Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата - она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый - пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах.

В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру - к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» (1912)

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий.

Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм . Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

«Эйфелева башня» (1911)

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне — знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка.

Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка - чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций.

Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов.

В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Стиль абстракционизм не теряет своей популярности и в живописи XXI века - любители современного искусства не прочь украсить таким шедевром свой дом, и работы в этом стиле улетают с молотка на всевозможных аукционах за баснословные суммы.

Узнать еще больше об абстракционизме в искусстве вам поможет следующее видео:

Абстракционизм , что от лат. аbstractio означает отвлечение, удаление – это нефигуративное, беспредметное искусство. Своеобразная форма изобразительной деятельности, которая не ставит цель имитировать или же отобразить визуально воспринимаемую реальность. Абстрактная скульптура, живопись и графика исключают ассоциацию с узнаваемым предметом.

Время возникновения первой абстрактной картины , а также истоки абстрактной живописи не были установлены. Можно говорить с уверенностью только о том, что посреди 1910 и 1915 гг. многие художники Европы пробовались в нефигуративных и беспредметных композициях (в скульптуре, рисунке и живописи).

Это: М.Ф.Ларионов, Ф.Купка, Р.Делоне, П.Клее, Ф.Пикабиа, У.Бочиони, Ф.Марк, Ф.Маринетти, А.Г.Явленский и многие другие.

Наиболее известные и оригинальные – это П.Мондриан, В.В.Кандинский и К.С.Малевич.

Композиция в сером, розовом, П.Модриан Композиция № 217 Серый овал, В.В.Кандинский Я ухожу в пространство, К.С.Малевич

Кандинского обычно называют «изобретателем» абстракции, тем самым подразумевая его акварели 1910–1912 годов, а также его теоретические работы, объективно свидетельствующие о самодостаточности искусства и указывая на его умение собственными своими средствами создавать некоторую новую реальность. Кандинский и в теории, и в практике был более последователен и решителен из тех, кто в это время приблизился к черте, которая отделяет фигуративность от абстракции. Вопрос о том, кто первый пересек эту черту, оставался невыясненным. Однако, не имеет важного значения, так как в первые годы ХХ века новейшие течения искусства Европы вплотную подходили к этой границе, причем все демонстрировало то, что она будет опрокинута.

Художники абстракционисты

Несмотря на бытующие представления, абстракция не была стилистической категорией. Данная своеобразная форма изобразительного искусства распадается на несколько течений. Лирическая абстракция, геометрическая абстракция, аналитическая абстракция, жестикуляционная абстракция и более частные течения, например, аранформель, супрематизм, нюажизм и так далее.

Стили абстрактного искусства вырабатываются из тех же стилеобразующих частиц, как и стили фигуративного. Это подтверждает тот факт, что монохромная живопись – это холст, который закрашен одним тоном, – пребывает в таком же промежуточном отношении к стилю, как в полной мере натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – особый вид изобразительного творчества, у которого функции сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Нарастающая перемена эстетических установок в искусстве начинается в революционных реформированиях в науке, культуре и технике XX века. Уже в первой половине XIX века в искусстве новые тенденции начинают быть заметными. В тот период в живописи Европы можно увидеть одновременно нарастающую тенденцию к условности (Ф.Гойя, Э.Делакруа, К.Коро,) и совершенствование натуралистической техники (Т.Шассерио, Ж.-Л.Давид, Ж.Энгр). Первая особенно заострена в английской живописи – у Р.О.Бонингтона, а также У.Тернера. Его картины — «Солнце, восходящее в тумане…» (1806 г.), «Музыкальный вечер» (1829–1839 гг.) и некоторые другие работы передают самые смелые обобщения, которые граничат с абстракцией.

Сделаем акцент на форме, а также на сюжете, одной из его последних работ – «Дождь, пар, скорость» , изображающая паровоз, который мчится через туман и пелену дождя. Данная картина написана в 1848году – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

Начиная с середины XIX века, скульптура, графика обратились к тому, что непонятно непосредственному изображению. Наиболее интенсивно разворачиваются исследования новых изобразительных средств, методов типизации, универсальных символов, повышенной экспрессии, сжатых пластических формул. С одной стороны, это обращено на изображение внутреннего мира человека, его эмоциональных психологических состояний, с другой же – на развитие видения предметного мира.