Красота Начинается Изнутри

С чего начинается писатель Не все студенты, приходящие в Литературный институт, становятся писателями или сценаристами. Для начала новичкам вбивается в голову одна простая мысль: СОВЕТ:«Если можешь не писать – не пиши»Не трать время, пойми, что писатель – профессия

«Если не знать истории,
то не будешь знать как с ней бороться в будущем».
Александр Каргин-Уткин

Существуют две очень известных фразы, истоки и историю которых нужно знать любому человеку искусства.

Очень надеюсь, что этот краткий экскурс будет вам полезен в настоящем и будущем. Ведь одна фраза - это ваша образованность, а вторая - это развитие вашего дела)

Что за странные слова!?
«Не верю!» и «Театр начинается с вешалки».

«Не верю!» Станиславского

Думаете это его садистские наклонности и высокие требования? Как бы не так!
Хотя, скажу я вам, Станиславский был далеко не мягко сердечным режссёром.

«Не верю!» было для К.С. лишь как индикатор искусства переживания, цель которого в первую очередь достучаться и заразить зрителя, полностью эмоционально подключить его к происходящему в спектаклю. Хотя сам К.С. не оставил подробного объяснения, его ученик Н.М. Горчаков - так же прекрасный режиссер и автор книг о Станиславском и Вахтангове, как и многих других, описал отношение К.С. к его «Не верю!». Привожу цитату из Горчакова «Режиссерское уроки Станиславского»:

«Теперь о моем обычном замечании: «не верю!»
Прежде всего я хотел бы, чтобы вы все поняли, что я его произношу не от своего лица, не от сверхтребовательного уха и глаза режиссера или от какого-то режиссерского каприза (я знаю, что и в этом меня обвиняют), а только от лица зрителя (подчеркивает интонацией К. О). От лица того простого зрителя двадцатого спектакля, которого я всегда ощущаю присутствующим рядом со мной на всех репетициях, в каком бы помещении они ни происходили.
Если я как самый обыкновенный зритель двадцатого или тридцатого спектакля (не зритель премьеры и не зритель генеральных репетиций для «пап и мам») не верю в то, что происходит передо мной на сцене, в то, что говорит актер, как он относится к тому или иному событию, как он переживает тот или иной момент по роли, то только в этом случае я от имени моего соседа-зрителя бросаю вам, как режиссер реплику: «не верю!»»

«Поймите, что я в эту минуту отмечаю в ваших мыслях, действиях и чувствах актера не какие-либо особенные, трудноуловимые тонкости актерской игры, а самые простые ошибки в логике вашего поведения на сцене или в логике ваших внутренних ощущений и отношений к определенному событию пьесы.
Принимайте мое «не верю» спокойно, делово… доверчиво!
Прошу прощения за плохой каламбур!»

То есть «Не верю!» Станиславского, это не клеймо плохой игры, а простые ошибки, так сказатьдырки в игре актера, где он внутренне не доработал, не заполнил нужным образом роль. Поэтому характер этого высказывания вовсе не оскорбителен.
Актер должен быть благодарен, если его режиссер может видеть такие «простые» дырки в игре. Ведь только «Не верю!» поможет ему сделать игру чистой и достигающей душу зрителя.
Проще говоря, если режиссёр может видеть эти дырки, фальш, нелогичность - он может вам об этом сообщить, а вы - исправить.
Только так так можно достигнуть профессионализма!

«Театр начинается с вешалки»

Вообще эта фраза скорее относится и не к Станиславскому, а к Немировичу-Данченко. Ведь именно Немирович-Данченко совместно с К.С. ввели в МХТ культуру поведения в театре.

Раньше в театре не раздевались, можно было есть в зале и соблюдение тишины вовсе не являлось обязательным правилом. В театр приходили общаться, показывать себя друг другу.
Условия для актеров так же был на очень низком уровне: закулисные помещения были общими, не было отдельных гримерных, мест для подготовки к выходу и т.д.
Первое время Немировичу-Данченко приходилось лично перед спектаклем выходить на сцену и просить у зрителей убрать семечки и отнестись с уважением к актерам.

Поэтому фраза «театр начинается с вешалки» означает высокую культуру театра, что театр - храм искусства.

А вы об этом знали? Как вы думали раньше? Как до этой статьи вы относились к этим фразам?

Изучайте историю, это фантастика!)

Существует классическое выражение, что «театр начинается с вешалки…» Наша же студия началась в буквальном смысле с энтузиастов! После окончания института мне удалось привлечь 25 человек! Тогда, в 80-е годы, самодеятельное театральное движение в стране было в самом разгаре! Студии создавались в рабочих и студенческих коллективах, а поскольку помещений не хватало, осваивалось всё - от подворотен до подвалов и крыш! Мои талантливые ребята и я мечтали о своем "уголке" и что это будет Молодежный театр-студия «Эксперимент». В невероятных муках он-таки родился, но "прожил" (вопреки равнодушию чиновников) лишь 7 лет... Потом пришли 90-е...
Моей далекой мечте ПОСВЯЩАЮ…

Когда же зародился ТЕАТР? Театр, в переводе с греческого — место для зрелищ, или зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств — литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других, и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей, что происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр.

Древнегреческий театр родился из мистерий, посвященными богам — покровителям земледелия, в первую очередь Дионису: в ходе посвящённых ему празднеств хор «сатиров», одетых в козлиные шкуры, распевал песни (дифирамбы), содержание которых составляли мифы дионисийского круга. Театр состоял из: ОРХЕСТРЫ - круглой площадки, на которой проходили танцы хора, располагавшейся в центре театра, получившей своё название от глагола orcheomai - танцевать. В середине орхестры устанавливался алтарь Диониса;
ЗДАНИЯ СКЕНЫ - сценической постройки с комнатами для актёров. Крылья скены составляли параскении, между которыми перед скеной проходили выступления актёров; ЗРИТЕЛЬНОГО ЗАЛА, имеющего вид сферы, усечённой двумя плоскостями, окружавшей 2/3 орхестры.

В те времена существовали пьесы только двух жанров — трагедии и комедии. Писались они чаще всего на мифологические или исторические сюжеты. Все роли играли мужчины. Актёры выступали в огромных масках и на котурнах. Декораций не было. Женщины (исключая гетер) не всегда и не везде допускались на представления, особенно на комедию, и сидели, как правило, отдельно от мужчин. В Греции профессия актера считалась престижной, а в Риме — позорной (поэтому выступления Нерона так шокировали его приближённых).

После падения Римской империи античный театр был забыт: ранние идеологи христианства осуждали лицедейство, и не только актёры, музыканты и «плясуны», но и все «одержимые страстью к театру» исключались из христианских общин. Средневековый театр фактически рождался заново, из народных обрядов и религиозных праздников — инсценировок церковных служб.

Римский театр


В области литературы и театрального искусства римляне часто заимствовали готовые формы у греков. Однако нельзя видеть в римской культуре лишь одни заимствования. Ей присущи и многие оригинальные черты, восходящие к глубокой древности. Кроме того, многое, заимствованное у греков, подвергалось радикальной переработке в соответствии с потребностями и вкусами римского общества.

Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий.

Комедия дель арте . Труппа «Джелози», фламандский художник конца XVI в.

Комедия дель арте (итал. commedia dell"arte), или комедия масок — вид итальянского народного (площадного) театра, спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски.

С распространением мистерий в Италии было связано появление первых театральных коллективов — на рубеже XV—XVI веков, поначалу в виде любительских содружеств, которые со временем превращались в полупрофессиональные: ремесленники и представители интеллигенции собирали труппу, когда был спрос на представления, показывали их за плату в богатых домах и возвращались к своим прежним занятиям, когда спроса на представления не было.

Интерьер театра Ковент-Гарден


Королевский театр в Ковент-Гардене — театр в Лондоне, служащий местом проведения оперных и балетных спектаклей, домашняя сцена Лондонской Королевской оперы и Лондонского Королевского балета. Расположен в районе Ковент-Гарден, по которому и получил название. В 1808 г. первый театр Ковент-Гарден был уничтожен пожаром. Новое здание театра было возведено за первые девять месяцев 1809 г. по проекту Роберта Смёрка и открылось 18 сентября постановкой «Макбета».

Творческая деятельность Уильяма Шекспира, длившаяся последнее десятилетие XVI века и первое десятилетие XVII века, относится к эпохе позднего английского Возрождения. В это время Англия, достигшая внушительного политического могущества, остро переживала кризис перехода от феодальных общественных отношений к буржуазным. Социальная жизнь отличалась чрезвычайной насыщенностью. В крупных городах театр имел большое значение.

Театр шекспировской эпохи все еще являлся праздником, карнавальным действом на площади. Однако в то время все возрастающий интерес к театральному искусству обусловил образование постоянных профессиональных трупп вместо существовавших ранее временных любительских объединений. Стали возводить специальные здания для театральных представлений. Доступность театра для всех слоев населения сделала его общенародным и обусловила создание разнообразного репертуара. Все эти особенности имели огромное значение для развития английской драматургии.

Большой театр, 1856 год


Значительным явлением культурной жизни России первой половины XIX в. стал театр. Популярность театрального искусства росла. В январе 1825 года представлением «Торжество муз» открылся Большой театр. Об этом открытии сохранились воспоминания С. Аксакова: «Большой Петровский театр, возникший из старых, обгорелых развалин… изумил и восхитил меня… Великолепное громадное здание, исключительно посвященное моему любимому искусству, уже одной своею внешностью привело меня в радостное волнение».

ОПЕРА

Опера - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Литературная основа оперы — либретто. Слово «ореrа» в переводе с итальянского буквально означает труд, сочинение. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

Заимствованный из Италии, во Франции расцветает как пышное торжественное зрелище — придворный балет. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать.

В основе классического балетного спектакля лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, в XX веке появился бессюжетный балет, драматургия которого основана на развитии, заложенном в музыке. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец(к характерным танцам относятся народны и национальные танцы,переработанные для исполнения в балетном спектакле).

Просвещение - эпоха открытий, основной линией этой эпохи стала борьба с феодализмом в Европе. Европейское общество восстало против господства аристократии, их нравов, идеологии и против феодального уклада жизни. Так же Просвещение - эпоха нового девиза человечества: «Бог сотворил человека несовершенным, задача человека же, совершенствовать себя».

В театре эпоха Просвещения играла огромную роль. Появляется «Просветительный театр», задача которого состояла в том, чтобы освободить людские умы от старых предрассудков и внушить им новые, просвещенные идеи, истинную мораль. Театр становится не только местом для развлечения. Он становится главным образом школой. Школой разума, морали и гражданской добродетелью.

АЛЕКСАНДРИНКА

Разговорное название Александрийского театра — старейшего государственного русского драматического театра, названного в 1832 г. Александринским в честь жены императора Николая I Александры Федоровны. Впервые труппа театра была создана в 1756 г. указом императрицы Елизаветы Петровны «для представления комедий и трагедий». В знаменитом здании, возведенном по проекту архитектора К.И. Росси, театр работает с 1832 г. В 1919 г. театру было присвоено почетное звание академического. В 1937 г., когда отмечалось столетие со дня гибели А.С. Пушкина, театр получил имя великого поэта, который любил Александринку и часто бывал там.

ПАНТОМИМА

Пантомима зародилась в Древней Греции, где была частью репертуара мимов. В Древнем Риме в эпоху Августа стала полноценным театральным жанром. В средневековье церковь запрещала пантомиму, но странствующие актёры продолжали использовать элементы пантомимы. Комедия дель арте включала в себя бессловесные интермедии. Пантомима была важным элементом арлекинады, комических пьесок, где главным действующим лицом был Арлекин. Во Франции арлекинада стала любимым жанром балаганного театра.

В 1702 году пантомима в виде театрализованного балета была поставлена в театре «Друри-Лейн» в Лондоне. В 18 веке в театре в качестве интермедий в антрактах трагедий и комедий ставили пантомиму. Батист Дебюро положил начало лирической поэтической пантомиме, благодаря ему классическим героем пантомимы стал Пьеро.

В 20 веке пантомимой занималась группа Карно, в которой впервые выступил Чарли Чаплин, Макс Рейнхардт, Жан-Луи Барро, Марсель Марсо и другие.

КУКОЛЬНЫЙ ТЕАТР

Искусство кукольников очень старое — в разных странах возникали свои, ставшие затем традиционными, виды кукол и типы представлений. Особенно любимым народом был театр Петрушки. В XIX веке театр Петрушки был самым популярным и распространенным видом кукольного театра в России. Декораций театр Петрушки не знал. Кукольник в сопровождении музыканта, обычно шарманщика, ходил от двора ко двору и давал традиционные представления о Петрушке. Его всегда можно было видеть и во время народных гуляний, на ярмарках.

Первое известие о существовании в России кукольного театра датировано 1636 годом, зафиксировано немецким путешественником Адамом Олеарием. В 1700 году состоялись первые в России гастроли кукольников: одна труппа проехала по городам Украины, а вторая по волжским городам до Астрахани.

Сергей Владимирович Образцов

Академический Центральный Театр кукол был создан по инициативе Дома Художественного Воспитания Детей 16 сентября 1931 года. Первоначально в нем работало 12 человек, и с первого дня создания его возглавлял выдающийся деятель русского искусства - Сергей Владимирович Образцов.

Антон Павлович Чехов читает актерам пьесу "Чайка" (1898 год)

Московский Художественный театр — драматический театр, основанный в 1898 году К. С. Станиславским и Вл. И. Немировичем-Данченко.Открылся 14 (26) октября 1898 года первой на московской сцене постановкой трагедии Алексея Толстого «Царь Фёдор Иоаннович».17 декабря 1898 года состоялась легендарная премьера чеховской «Чайки».

Московский театр на Таганке (1977)

Московский театр на Таганке - создан в 1964 на основе труппы Московского театра драмы и комедии (организован в 1946), в которую вошли выпускники Театрального училища им. Щукина. Главные режиссеры: Ю.П.Любимов (1964-1984), А.В.Эфрос (1984-1987), Н.Н.Губенко (1987-1989), Ю.П.Любимов (с 1989). С каждым из этих имен связан свой, бурный и драматичный, период истории театра.

Театр на Таганке дал старт огромной популярности его актеров. Многие из них начали много сниматься в кино (В.Золотухин, Л.Филатов, И.Бортник, С.Фарада, А.Демидова, И.Ульянова и др.). Судьба Таганки никогда не была легкой. Таганка давала также уроки истории и гражданского безбоязненного мышления; дарила максимум того, на что способен был театр в условиях несвободы, служа кафедрой и трибуной, царством искусств — и местом встречи людей. Поэтому такой мощный и плотный слой друзей окружал ее — из числа тех, что принято называть цветом нации: ученые, общественные деятели, художники.

Театр «Русский балет» на сцене Театра Аврора Палас в Санкт-Петербурге

Знаменитый театр «Русский балет» был создан в 1990 году семьей профессиональных артистов и солистов Мариинского театра, принадлежащих династии, которой уже более ста лет. На протяжении 20 лет труппа с успехом представляет искусство русского балета жителям города и иностранным гостям на лучших сценах Санкт-Петербурга, главным образом, на сцене императорского Эрмитажного театра. Красочные декорации, великолепные костюмы, высочайший уровень исполнения классических балетов не оставляют равнодушным ни одного зрителя, побывавшего на спектаклях Театра.

Московский театр "Школа современной пьесы"

Театр «Школа современной пьесы» родился в 1989 году на первой волне перестройки. Накопив силу в среде рвавшейся к творческой свободе российской интеллигенции конца 80-х годов, эта волна выплеснула на берег немалое количество экспериментальных студий, «подвальных» театров и творческих лабораторий, значительная часть которых просуществовала недолгий век. «Школа современной пьесы» оказалась среди тех немногих, кто выдержал конкуренцию и встал вровень с русскими театрами, имевшими долгие и славные биографии.

Как только современным режиссерам удается показать что- то “свое”, что не входит в уже устоявшиеся театральные нормы - начинается маленький бунт. Постановка классических драм на современный лад вызывают критику, непонимание и обвинение в попирании ценностей. Вечная борьба двух поколений. Таков он современный театр. Классика с изумительными любимыми актерами, и новые, рискованные постановки молодых режиссеров.

Аншлаг! Авации! «Виват»!

И вновь в театре нету места!

Аплодисменты ввысь летят,

И ждут, и просят в зал маэстро.

Волшебной палочкой своей,

Лишь взмах руки... Зал в ожидании...

Запела скрипка, и быстрей

Забилось сердце от желания.

Распахнут занавес и вдруг

Раздался крик!...и зритель замер...

На сцене пусто, ржавый круг,

И слышен скрип тюремных камер...

Но снова скрипка в вышине

Запела песню в до-мажоре.

Слеза скупая на щеке-

Есть вопреки, хотя нет в роли.

Все без исключения работники театра являются сотворцами спектакля. Тот, кто в той или иной мере, портит общую работу и мешает осуществлению основной цели искусства и театра, должен быть признан вредным.

Если в театре холод, грязь, беспорядок, начало задерживается, спектакль идёт без должного воодушевления, – настроение зрителей падает и благодаря этому основная мысль и чувства поэта, композитора, артистов и режиссёров не доходят до них, им не для чего было приходить в театр, спектакль испорчен, и театр теряет своё общественное, художественное, воспитательное значение.

Если по тем или иным причинам репетиция окажется не продуктивной, – те, кто помешали работе, вредят общей, основной цели. Творить можно только в соответственно необходимой обстановке, а тот, кто мешает её созданию, – совершает преступление перед искусством и обществом, которому мы служим. Испорченная репетиция ранит роль, а израненная роль не помогает, а мешает проведению основной мысли поэта, т.е. главной задаче театра.

Нужно ценить каждого человека, не смотря, чем он занимается, и какую должность занимает. Каждый человек хочет к себе должного внимания и отношения. Нужно напоминать людям об их значении и благодарить за их работу и приложенный труд.

Надо, чтобы зритель, актёр и каждый имеющий отношение к театру входил в него с особым чувством благоговения. Надо, чтобы зритель, отворяя двери театра, проникался соответствующим настроением, которое помогает, а не мешает восприятию впечатления. Какое огромное значение для спектакля имеет настроение за кулисами и в зрительном зале.

Самое страшное и непобедимое - это когда зритель шумит, разговаривает, ходит и особенно, кашляет во время действия. Чтобы приучить зрителя к дисциплине, необходимой спектаклю, чтобы заставить его до начала сидеть на местах, быть внимательным, не кашлять, надо прежде всего чтобы театр заслужил уважение, чтобы зритель чувствовал, как ему надлежит себя держать.

Всякий, кто портит нам земной рай – жизнь в театре, должен быть либо удалён, либо обезврежен. А мы сами должны заботиться о том, чтобы сносить в театр со всех сторон только хорошие, бодрящие, радостные чувства. Здесь всё должно улыбаться, так как здесь занимаются любимым делом. Пусть об этом помнят не только актёры, но и администрация, с её конторами, складами и проч. Она должна помнить, что здесь не амбар, не лавки, не банки, где люди из-за наживы готовы перегрызть друг другу горло.

Зритель чувствует всё, что происходит за закрытым занавесом. Беспорядок, шум, крик, стук во время антракта, сутолока на сцене передаются в зрительный зал и тяжелят самый спектакль. Напротив: порядок, стройность, тишина там, за закрытым занавесом, делают спектакль лёгким. Конечно же, интриги, сплетни, которыми славится театр – без них хорошо, нельзя же исключить талантливого человека потому, что у него дурной характер, потому, что он мешает благоденствовать другим. Несомненно, таланту всё прощается, но его недостатки должны быть обезврежены другими артистами. Когда в театре появляется такой, опасный для всего организма микроб, надо сделать всему коллективу прививку, для того, чтобы развить обезвреживающий антитоксин, при котором интрига гения не нарушает общего благополучия жизни театра.