С удовольствием дополняем рассказ подробностями о месте и времени проведения экспозиции (только до 7 июня! ), а также замечательным подробным интервью «Московского комсомольца» и видеосюжетом. Это надо прочесть и посмотреть…

87 лет не знал о расколе…

Петр Оссовский – заслуженный художник СССР, Лауреат Государственной премии СССР и Международной премии им. М.А. Шолохова, действительный член Российской академии художеств, почетный гражданин г. Пскова Родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Кировоградской области на Украине. В 1944 году окончил среднюю художественную школу в Москве, а в 1956 году принят в Союз художников.

Об основных направлениях своего творчества он пишет: «Человек и Родина, человек и земля. Любовь, материнство, семья - извечные темы искусства. И в этом я глубоко традиционен».

Среди картин последнего десятилетия многие произведения художника посвящены религиозной и исторической тематике. Как выяснилось, прожив долгую и творческую жизнь, П.П. Оссовский ничего не слышал о старообрядцах. Настоящим откровением для него стал просмотр кинофильма Николая Досталя «Раскол», из которого Петр Павлович впервые узнал о трагических событиях церковного раскола XVII века и судьбах старообрядчества.

Это открытие дало новый мощный толчок в творчестве художника. Оссовский написал ряд картин, посвященных событиям истории старообрядчества, исповедникам Старой веры и современным старообрядцам.

Наибольшую известность приобрел триптих «Аввакум». На трех полотнах, высотой около полутора метров, изображены три образа, или три сюжета. В центре – образ Спасителя, выполненный в стиле рублевского Звенигородского Спаса. На левой части - священномученик Аввакум у костра в последние минуты своей жизни, а также три старообрядческих старца с двуперстно воздетыми десницами.

Петр Оссовский/ Фрагмент триптиха Протопоп Аввакум – Боярыня Морозова

Правая часть триптиха посвящена преподобномученице Феодосии Морозовой. Она изображена сидящей в сени ангела. Триптих создан с использованием техники угольной графики, что придает этому произведению особый символизм и драматичность.

Митрополит Корнилий поздравил Петра Павловича с 90-летним юбилеем и пожелал ему здоровья и успехов в деле творческого переосмысления истории Руси и ее духовных истоков

Петр Оссовский отмечает 90-летие персональной выставкой

«МК»: Исповедь сурового реалиcта

Петр Оссовский: “Искусство, которое заставляет думать, вредно для правителей”.

«Нужно не смотреть, а видеть», - уверен основоположник «сурового стиля» Петр Оссовский. Художник, который не стремится копировать окружающий мир, а берет из него сюжеты, заставляющие думать. 19 мая он откроет в Академии художеств на Пречистенке свою ретроспективу, которую называет не иначе как исповедью. Она приурочена к 90-летию мастера. Накануне открытия выставки «МК» пришел поздравить художника с юбилеем.

В своей квартире-мастерской Петр Павлович встречает нас в своем любимом кресле, которое досталось ему от деда. Обстановка в мастерской аскетичная. Большую часть пространства занимают картины. Запах масляной краски витает в воздухе. На столе - десяток-другой изданий авторского альбома «Вспоминая былое». В центре залы - стол, на нем пишет художник, а рядом мольберт. За спиной мастера портреты его прародителей.

Я пишу вместе с ними. Предки мне всегда помогают! - объявляет художник. Он встречает гостей в домашней одежде. При этом выглядит не менее монументально, чем герои его полотен.

- Кто есть кто в вашей семейной родословной?

У меня она длинная. Мать - казацкого сословия, а отец из поляков. Так что я Тарас Бульба.

- Вы ведь на Украине родились?

Да, но только потому, что дед ушел из казаков в артисты и женился на полтавчанке, тоже артистке. Он имел свою труппу. Она дебютировала в Нижнем Новгороде в 1897 году, на ярмарке. Тогда были большие гастроли на Украине и России - тогда это считалось одно государство. Директор сахарного завода недалеко от Елисаветграда, бывший матрос с броненосца «Потемкин» Сухомлин, пригласил семью в село Малая Виска, где я и родился. В 20-е годы дед был главрежем Елисаветградского театра (теперь Кировоград). Очень тяжелые годы, голодные.

- Можете улыбнуться? - прерывает нашу беседу фотограф «МК», увлеченный съемкой харизматического героя.

Я невеселый человек. Месяцами молчу, я и холст. Думаю, чувствую, работаю, а вы ждете от меня улыбок? Живопись - молчаливый вид искусства. Не до смеха, когда она в упадке. А ведь это мощный вид искусства для формирования личности человека в тысячелетней истории России. Сталин понимал это. И сделал соцреализм.

- Идеологическое искусство.

Да, но параллельно с ним существовал русский реализм, продолжающий традиции отечественного искусства. Искусство ведь не классная дама, которая на горох ставит в угол. Искусство должно учить видеть, а не смотреть. Отделите идеологическое искусство от истинного искусства 60-х и показывайте. Но сегодня говорить о реализме не модно. Васильеву, бандитку эту с ее картинками, показывают, а полотна русских реалистов пылятся в запасниках. Инсталляции, абстракции - это не плохо (я многому научился у современного искусства), пусть будут, но пусть будет и реализм. Не нужно забывать, что абстракция и инсталляции вышли из реализма.

Кстати, в 1945-м мы с Гелием Коржевым делали эскизы росписей храма. Но до самих росписей дело не дошло - священники решили, что мы слишком молоды. Я к тому времени много сделал иконописных сюжетов и понял, что при других обстоятельствах мог бы стать иконописцем. Сейчас это никому не интересно. Повсюду американомания! Начиная от рекламы по телевидению и заканчивая речью: почему мы говорим «шоу», а не «спектакль», например? Зачем «воевать» с Америкой и копировать ее? Я матом ругаюсь, когда смотрю телевизор, - художник указывает на плазму в углу, которая выглядит инородным элементом в интерьере мастерской.

Русская быль Тициана

Вот тут была передача о Дрезденской галерее, - продолжает он, имея в виду историю той части коллекции, которую советские солдаты нашли в шахтах Саксонии в 1945-м, привезли в Москву, 10 лет она хранилась в ГМИИ Пушкина, пока не было принято решение вернуть несколько сот шедевров в Дрезден. - В 1945 году я ведь носил ее на руках, когда был студентом 2-го курса Суриковского института. Тогдашний директор Пушкинского музея, скульптор Сергей Меркуров, попросил нашего директора Сергея Герасимова дать ему в помощь нескольких студентов.

- Помните, какие шедевры тогда держали в руках?

Рафаэля, Тициана - да все! Так вот, рассказал я об этом журналистам, а потом смотрю передачу, а в титрах написано: «Искусствовед Петр Оссовский». Это при том, что у меня 70 лет творческой деятельности за спиной. Только за последние 15 лет я сделал свыше 25 выставок - в Софии, Минске, на Севере России. Картины потихонечку покупали. После разрушения Союза «новые русские», бывшие комсомольцы, стали скупать реализм.

- Интерес есть. Вот даже в Интернете продаются ваши картины - от 200 тысяч до миллиона рублей.

Вообще художник должен работать не ради заработка или популярности. Но таких сумм, которые вы называете, я не вижу. Считай, за копейки отдаю. Помню, лет 10 назад пришел один банкир и увидел, что я черновики выбрасываю. Посмотрел, нашел один этюдик и говорит: можно купить? Мне неудобно, я же выбрасываю это, ну, говорю, если 500 долларов дадите на краски, хорошо. Потом выяснилось, что он этюд за 10 тысяч долларов продал. А ведь этот банкир у меня целую серию про Кремль купил. Я его с натуры писал - из окон ЦК КПСС. Я там специально сделал колокольню Ивана Великого выше, чем кремлевские красные звезды, хотя в реальности не так.

За этот цикл меня в советское время кляли - мол, я продался правительству. А Горбачев в 1985 году дал Государственную премию. Я написал и салют на Красной площади, который видел в 1945-м. Я же там был: чудом пробрался на площадь, пролез под машинами и вылез около Исторического музея. Ох, сколько копоти было от машин! Но несмотря на это все обнимались! Это было небывалое единение!

- Петр Павлович, вы уже тогда начали писать, в 40-е?

Я родился в 1925-м. Начал рисовать очень рано, еще когда жил на Украине. Отца обвинили, что он белый поляк, а он был простой счетовод. Когда он узнал, что кто-то на него донес, то в один день увез семью в Нижний Новгород. Тем самым спасся, а то бы я был сыном врага народа. Тогда никто не разбирался, давали разнарядки - нужно столько-то шпионов найти, столько-то расстрелять, сослать. Люди ничего не знали об этом - они строили новое государство. Моя семья в 30-е годы переехала в Москву, сначала художественная школа, потом поступил в Суриковский, окончил. В 50-х начал выставляться.

- А потом случилась история с той самой картиной «Три поколения», которой историки искусства обязаны появлением термина «суровый стиль». Она ведь связана с Тицианом, которого вы держали в руках еще студентом в Пушкинском музее.

Да, но тут другая картина. Однажды в монографии Тициана мне попалась картина «Три возраста»: мальчик играет с собакой, старик - с черепом, а юноша - на флейте. Я ее переосмыслил. В 60-м году принес ее в Манеж, а там говорят: давай назовем «Три поколения», в духе соцреализма. Я согласился. Этим самым подставил себя под критику ЦК: что ж такое, выиграли войну, а едим в поле, старик ломает хлеб, будто ему нечего есть, а мальчик в рваных штанишках. А где же рабочие, крестьяне, счастливые пахари? С нее и начался «суровый стиль». Три газеты написали разгромные «подвалы», а с меня все как с гуся вода. Я не заболел, не запил, а продолжал работать. Если бы тогда сдался, то не было бы меня сейчас и моих работ. Критика позитивно повлияла на мою художественную жизнь. Эта тема потом мной глубоко разрабатывалась.

Я отразил правду, а за это мне по голове дали. Но тема стала для меня больше чем какая-то критика - я до сих пор ее тяну. Через десять лет после той истории расширил тему до четырех картин и назвал цикл «Рубежи жизни Родины». Они попали в Музей революции (теперь Музей современной истории России). А 10 лет назад, после выставки к 80-летию в Академии художеств, мне позвонил директор Русского музея Владимир Гусев и предложил выставку в Петербурге. Тогда я решил написать продолжение и переосмыслил «Рубежи жизни Родины», назвав цикл «История Красной державы».

- Вы покажете их на юбилейной выставке в Академии художеств?

Чтобы все показать, трех академий не хватит. И потом, мне пришла мысль, что рядом с современным искусством они будут выглядеть старомодно, а в галереях, где многие мои вещи хранятся, другая аура, они там хорошо смотрятся. Поэтому я сделал фоторепродукции, текстовые описания, где рассказывается история этого цикла и его значение в моем творчестве.

На День Победы люди придумали прекрасную акцию «Бессмертный полк», а я сделал то же самое, только в живописи. Это выставка не столько итоговая, сколько исповедальная. У меня ведь территория творчества - от берегов Байкала, через просторы Сибири и горы Алтая, в Центральную Россию, которую я объездил на велосипеде. Потом через Болгарию, Чехию, Словакию, Польшу до Италии, Кубы и Мексики.

Грозы веков

- Как же удалось вам туда попасть - ведь был «железный занавес»?

Все просто: я был восемь лет первым секретарем Союза художников России. Приходил и говорил, что хочу укрепить дружбу со странами-союзниками, а сам писал, что мне хотелось. Я, кстати, первым разделил Словакию и Чехию - у меня была выставка в 1978-м, называлась «Чешские и словацкие мотивы», а тогда это была Чехословакия. На ней я показал мои поиски красоты этих народов. Я делал такой эксперимент: писал Мадонну - традиционную деревянную скульптуру, которой 500 лет, а потом искал их в жизни и писал реальных женщин, славянских Мадонн.

- У вас есть портрет Фиделя Кастро. Вы встречались с ним?

Несколько раз. В составе делегаций. Мы с Виктором Ивановым были первыми советскими художниками, побывавшими в 60-е на Кубе. Как-то на обеде, пока он говорил с нашими гимнастами, я сделал набросок. Уже в Москве написал портрет маслом. И недавно возвращался к этой теме. Другой мой портрет Фиделя есть в Третьяковской галерее.

- В постоянной экспозиции я его не видела.

Не показывают. Политика. Живописцы моего поколения стоят в запасниках никому не нужные, разбитые, но уверен, что через десяток лет вспомнят, и это будет вопль. Я сказал об этом Путину полтора года назад, когда получал орден «За заслуги перед Отечеством». То, что сейчас происходит, - это замещение духовного в угоду развлечениям.

Петр Оссовский “Куба начеку”

- И что Путин ответил?

Да ничего. Правительство меняется, а родина остается. Народ тот же. От развлечений он тупеет. Искусство, которое заставляет думать, вредно для правителей. Но Россия умеет думать. И она все способна преодолеть, как доказали мы в годы войны. Не случайно открывает мою выставку триптих «Грозы ушедшего века». Сколько их было над Россией - а все ничего Родине. Посмотрите на картину: это все реальные лодки и храмы, но они написаны как символы, и за ними многое стоит. Те, кто умеет видеть, мой зритель, придет на выставку в Академию художеств, сможет их понять. Кто не может, должен искать своего художника. Искусство не навязывается.

Пётр Оссовский - о творчестве художника

Оссовский Петр Павлович.

В 1953 году окончил Московский художественный институт имени В. И. Сурикова.

Петр Оссовский-из того поколения художников, которое пришло в искусство в середине пятидесятых годов. Все они были разные - П. Оссовский, Г. Коржев, В. Стожаров, Виктор Иванов, Д. Жилинский, Гаврилов, братья Ткачевы. Разные по творческой манере, по намечавшемуся у каждого своему кругу образов. Сближала ищущая большого пути одаренность, свежесть молодых творческих сил. Сближало стремление показать красоту простых людей, простых человеческих дел, разглядеть в повседневности лицо времени. Сейчас они - сложившиеся художники, и время показало: молодые сумели принять те заветы правды и мастерства, которые диктовал опыт предыдущих поколений. Традиция продолжалась, традиция, утвержденная всем развитием нашего искусства, - чувствовать дыхание времени, видеть в идущем дне темы, образы, которые раскрывали бы современность, находить средства изображения, которые отвечали бы современности. Продолжалась большая преемственность опыта советского искусства. Преемственность взгляда на жизнь. Преемственность осознания в жизни себя - художника.

В ту пору год за годом устраивались молодежные выставки. Это было почетно для молодых: молодым художникам доверялась самостоятельность крупных выступлений. Это обязывало к творческой ответственности - рождало дух товарищеского «соревнования в среде молодежи.

«Я по себе знаю, как много для нас значили ежегодные молодежные выставки, - скажет позднее П. Оссовский. - Для меня и моих товарищей серьезнейшей школой были и подготовка к ним, и обсуждение работ, и обмен мнениями. Я учился у такого мастера, как Сергей Васильевич Герасимов, и все же скажу: не меньше, чем у него, я учился у своих товарищей. Мы утверждались в своих взглядах на задачи искусства, на средства решения этих задач. Выставки воспитывали у молодежи свое отношение к искусству, к жизни. Была самостоятельность, была решимость высказать по-своему то, что чувствуешь и что пережил. Выставки давали перспективу и чувство коллектива, чувство локтя...››

Пусть ныне кажутся скромными первые опыты-первые полотна молодых тех лет. Пусть они уступают в их творчестве более значительным произведениям, весомым в масштабах всего нашего искусства. Но начало их последующих удач - в полотнах вот уже без малого пятнадцатилетней давности, с которыми они вступали тогда в большую художественную жизнь.

Имя Оссовского приобрело известность с московской молодежной выставки 1956 года. Показанная им картина «В районном центре» была принята зрителями и критикой как одно из наиболее интересных произведений молодых художников-москвичей. В ней увидели жизнь, не прикрашенную, не сочиненную, взятую в обыденном течении,- жизнь маленького районного городка. Но как показал ее художник, было много душевного и истинно поэтичного. Картина не броска по колориту, ничто внешнее в манере не останавливает внимания, речь его проста и естественна - и тем достовернее впечатление, убедительнее интонации рассказа. Кажется, неторопливо ведется повествование о небольшом городке где-то в средней полосе России. Здесь и дома еще от дореволюционного времени и люди ходят неспешно, не как в больших городах. Парень едет на велосипеде, возле чайной разгружают машину, девушка - колхозница сидит на возу - приехали из пригородного села; в дощатом киоске продают мороженое, прохожий читает газету, на заборе афиши: в кино идет «Судьба клоуна», а на стадионе «Пищевик» состоится футбольный матч. Простые, человечные детали. Из них соткана жизнь этого городка, и они очень живо пересказаны - ясно и добро. И, вместе с тем, видишь: все это-приметы дня, малые черточки невыдуманных будней, из которых слагается современность.

Написанная в 1957 году картина «У элеватора» уже свидетельствует об поисках цельности живописи и

энергичного композиционного строя. Манера изобразительного повествования сохранилась вроде бы та же, но, вместе с тем, картина не «читается», как прежде, от детали к детали, подобно строчкам рассказа, но воспринимается в единстве всего изображенного. Подробности, детали не задерживают взгляд, они интересны не сами по себе, не каждая в отдельности, как было до этого, но именно в своей слитности, создающей цельный художественный образ. Художник словно бы отдаляется от предмета изображения и видит целое в его крупных чертах, в единстве пейзажа и человеческих дел. Это и есть образная основа картины: могучие сооружения элеватора, огромные амбары, просторный двор, заставленный машинами, оживленная занятость людей - все дает ощутить полноту и масштабы делового рабочего дня. Характерно, что и самый композиционный принцип здесь иной: точка зрения в картине поднята, мы смотрим словно сверху, с какого-то возвышения, и от этого шире. Глубже пространство изображения, взгляд вбирает не просто частные эпизоды, предметы натуры, но общее и единое многообразие трудового дня у элеватора. Это делает емким самый художественный образ, значительнее предстает запечатленная художником картина жизни., Соответственно изменился и самый характер живописи. На смену выписанности деталей пришла манера более широкая, обобщающая в цвете детали, частности; все объединил, связал цельный колористический строй - гамма сиреневато-охристых тонов осени, осенней земли, мягкого, чуть пасмурного сентябрьского дня.

Собственно, с этой картины и с других, близких ей по времени вещей в творчестве художника и начались поиски обобщенных образов. Эти поиски шли в русле общих устремлений нашей живописи тех лет. То новое, что наметилось у Оссовского в картине «У элеватора» - стремление к энергичной цельности живописного решения, подчеркнутой остроте композиции,- сполна проявилось в серии городских пейзажей, написанных в 1958-1959 годах. Иные из этих вещей остались не более, чем пробой композиционных и живописных решений, но и они говорят об остроте восприятия, поэтичном ощущении жизни. Такова сценка «Базарный день», рыночные ряды в том же, быть может районном городке, что уже был изображен художником. Полуденное солнце, праздничность красок в ярком освещении, глубокие тени под навесом торговых рядов, подчеркивающие силу света. И сама веселая сутолока базара - как верно сказано здесь о жарком летнем полдне на базарной площади! Удачи художника и в этом и в других холстах, например, в небольшом, очень непосредственном по настроению этюде - ненастный зимний день, сырой ветер над городской окраиной, - это прежде всего удачи П. Оссовского - живописца. Художник отнюдь не стремится передать цветовую натуральность в ранних полотнах,- цвет в его картинах становится ведущим началом образной содержательности. В самом деле, и солнечные краски «Базарного дня», и тяжелые, сумрачные серо-ржавые тона, так верно передающие ощущение промозглого дня, когда снег напоен сыростью и пасмурное небо низко нависает над городом,- они формируют ту гамму чувств, что входит в нас эмоциональным восприятием натуры.

Но все эти этюды не более, чем «проба пера». В том, кстати и особенность Оссовского-художника, которая проявилась у него с первых шагов творчества, что он неизменно стремится к широте осуществления своих замыслов, своих исканий, и то новое что отлагается в его жизненных впечатлениях и намечается в самом строе изобразительных средств, он, как правило, воплощает в картинах. Поиски повышенной звучности в живописи и углубленного поэтического образа, которые заметно изменили характер художнической речи П. Оссовского, в сложившемся виде более всего предстали в картинах «На набережной», «На окружной железной дороге», «Каток» и «Полночь».

В том же, 1958 году была написана еще одна картина «На городской окраине» - о весеннем дне, о велосипедистах и о просторе дорог. (Позднее художник не раз возвращался к этой теме.) Своим настроением она выделяется в ряду других произведении этого времени. В ней - открытая звучность красок и ощущении, энергичное восприятие мира. Весь холст выражает ощущение свежести сил, широты просторов.,.

Город. Тема города, городской окраины, наполненной бодрящим ритмом наших дней, неизменно занимает художника. Здесь, на строящихся окраинах Москвы, поступь большого города отодвигает неустроенность старых домишек, теснит захламленные пустыри и подчиняет почерку времени самое лицо местности, дает то ощущение современной, динамичной красоты, которая так много говорит нашему чувству. Эта современная красота города вошла в искусство П. Оссовского. Вслед за картиной «Каток» с ее лирически-тонким истолкованием темы города на Пятой выставке молодых художников Москвы в 1959 году он показал два новых своих полотна - «Московская окраина. Зима» и «Московская окраина. Теплый день».

В обеих картинах - свободный охват пространства. Повышенная точка зрения дает возможность последовательно углубляться взгляду от переднего плана ко все более дальним предметам, фигурам, групповым сценкам, силуэтам домов, замыкающим перспективу. Широко увиденная, предстает окраина города. Город живет своей жизнью, город работает - вдали дымы заводов и подъемные краны, город отдыхает. Об этом рассказ художника. Но это рассказ уже не тот, что был в ранних вещах, складывающийся от детали к детали, а единый образный охват целого - целое как бы вбирает в себя частности. Сама живопись несет в себе эмоциональное звучание. Особенно выразителен «зимний» пейзаж - «Московская окраина. Зима». Немногоцветная, несколько суровая в своей тональности живописная гамма передает характерную красочную атмосферу, в которую как бы погружены окраины города. Здесь старое рядом с новым, здесь бурый от времени кирпич и охристо-серые стенки сараев, а за ними поднимаются на фоне неба корпуса отстроенных зданий - они в туманной сиреневой дымке, смягченные в тоне расстоянием и зимним рассеянным светом. Этот мягкий рассеянный свет связывает тона в слитный колористический строй, объединяет пространство картины и тем дает ей живописную, поэтическую цельность.

Оба эти пейзажа примечательны в ряду произведений Оссовского еще и тем, что здесь отчетливо обрисовались энергичные ноты, все более проступающие в его живописи. В пределах излюбленной им коричневато-сиреневой, охристой гаммы выразительно выделяются контрасты тональных отношений, местами утяжеленная насыщенность цвета, и это придает живописному почерку своеобразную мужественную звучность.

Картины Оссовского о Москве утвердили его известность как художника городского пейзажа, художника современного восприятия остро чувствующего ритм городской жизни. Искусство многих художников говорит о Москве. Но П. Оссовский нашел свою линию первооткрытия, и очень современные нотки поэтического

рассказа. За это широко полюбились его полотна, и художник завоевал прочные симпатии и привязанность зрителя.

Народный художник СССР, Почетный гражданин Пскова

Петр Павлович Оссовский родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Кировоградской области на Украине. В 1944 году окончил среднюю художественную школу в Москве и поступил в Государственный художественный институт им.В.И.Сурикова, где учился в мастерской С.В.Герасимова. С 1954 года участвует в художественных выставках. В 1956 году принят в Союз художников. П.П.Оссовский за свою полувековую деятельность участвовал во многих крупных выставках у себя на Родине и за рубежом. Его произведения находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, крупных музеях России и стран СНГ, а также в различных зарубежных коллекциях.

В 1970 году ему присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР», спустя пять лет - «Народный художник РСФСР». В 1961 г. художник совершает творческую поездку на Кубу и в Мексику. Серии следующих полотен, созданных после поездок в Италию, Чехию, Словакию и Болгарию, в высшей степени самобытны. В 1979 году был награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», в 1985 году получил Государственную премию за цикл картин о Московском Кремле: «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году П.П.Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-коррес­пондентом Академии Художеств СССР, является лауреатом Государственной премии СССР.

В 1975 году состоялась персональная выставка «На земле Древнего Пскова» к 50-летию со дня рождения художника. Эта выставка стала первой в его многолетней творческой деятельности на Псковской земле, где он нашел свой «Малый, родной дом, свою Россию». Цикл картин в творчестве художника посвящен жителям Талабских островов. Им создан триптих «Пушкинская элегия». В последние годы более 80 картин подарил псковским музеям. В 1977 году издан авторский альбом «На земле древнего Пскова» (переиздан в 2003), а в 2005 вышел альбом живописных полотен «Моя художественная жизнь».

11 июля 2008 года Петру Павловичу Оссовскому присвоено звание «Почётный гражданин г. Пскова».

Библиография:

Иванов, //. Псковские.мотивы: [образы Псковской земли в творче­стве художника, отрывки из дневниковых записей, посвященные Псков­щине, репродукции картин] / И. Иванов//Юный художник. 2001. -№2. - С. 38-41.

Золотцев, С. Дар бесценный: художник Петр Оссовский Пскову/С Золотцев //Встреча. -2002. - № 10. С. 29-31.

Кочемасова, Т. «О чем хочу поведать людям»: [о творческом пути художника, истоках творчества, о семье; о работах, посвященных Псков­ской земле] / Татьяна Кочемасова // Слово. 2005. № 5. - С. 69-82.

Ефимова, И. Петр Оссовский: «Какое оно мое искусство, скажут люди»: [в Пскове родилась новая художественная галерея, ее появле­нию на свет псковичи обязаны художнику П. П. Оссовскому] / И Ефимо­ва //Новости Пскова. 2007. 27 июля. С. 4,15.

Пульс древнего Пскова /о художнике Петре Оссовском, кандидате на присвоение звания Почетного гражданина Пскова в 2008 году Биографи­ческие сведения/ Время псковское. 2008. №38 (10 июля). С. 13.

Левин, Н.Ф., Русанова, Л.Ф. В служении Пскову: Почётные граждане г. Пскова: (биобиблиографический сборник) /Н.Ф.Левин, Л.Ф. Русанова. - Псков: Издательство АНО ЛОГОС, 2008. – С. 116 - 117: фот. - (К 1105-летию первого упоминания Пскова в летописи).

Свои соболезнования дочери Петра Оссовского выразил губернатор Псковской области Андрей Турчак:

«Ушел из жизни человек огромного неиссякаемого таланта, большой художник, настоящий патриот, честный, обладающий огромным внутренним достоинством человек, которого все вокруг безгранично ценили и уважали. Ваш отец преданно, подвижнически служил искусству и Псковской земле», - говорится в обращении главы региона.

Петр Павлович Оссовский родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Кировоградской области Украины. В 1950 году окончил Московский государственный художественный институт имени В. Сурикова из мастерской С. В. Герасимова.

Петр Оссовский стал одним из родоначальников «сурового стиля» - течения, появившегося в отечественном искусстве в начале 1960-х годов. Термин «суровый стиль»был впервые употреблен в 1960 году применительно к работе Оссовского «Три поколения» (1959), которая вызвала много противоречивых откликов.

Впервые Петр Оссовский приехал в Псков в 1966 году. «Благодаря Пскову и его людям ко мне пришло особенное понимание русских традиций и культуры», - писал сам художник. Особое место в творчестве Оссовского заняли жители Талабских островов, которым художник посвятил цикл картин «На земле древнего Пскова». В цикл входит множество пейзажей, в которых главным является природа этого края. Замысел «На земле древнего Пскова» возник из размышлений о Псковской земле - порубежной части России.

Художник подолгу жил рядом со своими героями: земледельцами, рыбаками, народными умельцами. Посещение Михайловского побудило его взяться за пушкинскую тему. Пушкину посвящен триптих «Пушкинская элегия». В честь 125-летия Псковского музея-заповедника, в апреле 2001 года художник подарил музею 45 своих произведений.

Работы Петра Оссовского хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, других крупных художественных музеях бывшего СССР, а также в частных и государственных коллекциях Германии, Болгарии, Польши, Чехии, Англии, Словакии, Италии, Испании, Финляндии, Японии, США, Египта, Израиля, Венесуэлы.

В 1979 году художник был награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», в 1985 году он получил Государственную премию за цикл картин о Московском Кремле: «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году Петру Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-корреспондентом Академии Художеств СССР. В 1968 году за свой труд Петр Оссовский награжден орденом «Знак Почета».

С июля 2008 года - почетный гражданин города Пскова.

В Псковском музее с 2007 года существует персональная галерея живописных работ Петра Оссовского, посвященных истории и людям земли Псковской.

24 октября на аукционе «Совком» будет продаваться небольшой пейзаж Петра Оссовского - единственного представителя «сурового стиля» в десятке ныне живущих художников - авторов самых дорогих работ, проданных на российских аукционах

Пока моя рука способна держать кисть и перо,
они будут активно говорить о том,
что меня волнует и что я хочу поведать людям.

Петр Оссовский

Он не любитель публичности, его интервью можно пересчитать по пальцам, все свободное время он отдает работе в мастерской.

Художники «сурового стиля» отказались от идеализированных и даже дидактических образов, созданных предыдущим поколением советских живописцев, - молодых интересовали их современники. Они стремились увидеть сами и показать другим возвышенное, романтическое и даже поэтическое начало в жизни и труде тех, кто жил и трудился рядом с ними. Молодые художники писали лица рабочих, крестьян, рыбаков, строителей, геологов - и наделяли их образы знаковыми (и оттого монументальными) чертами своего времени.

Для достижения такого эффекта, представители «сурового стиля» стремились максимально упростить и обобщить формы, сделать лаконичным силуэт, упрощалась и уплощалась также и композиция, выстраиваемая зачастую по законам коллажа - когда в пространстве одной работы некоторые элементы картины существуют как бы отдельно, даже со своей собственной перспективой, и потом как бы собираются художником на единой плоскости. Таким образом, композиция зачастую имеет вертикальное построение - планы (передний, средний и фон) строятся не в перспективе, а друг над другом. Упрощается и цветовая гамма: «суровостильцы» сторонники скорее графичных линейных ритмов, чем игры оттенков и полутонов, чаще используют лаконичные, ясные и выразительные цвета и цветовые акценты.

Сегодня оценки и трактовки «сурового стиля» сильно расходятся: одни исследователи противопоставляют его реалистическому, плакатному искусству сталинской эпохи; другие - видят в нем логическое продолжение советского реализма; третьи, например художник Борис Орлов , полагают, что «в реальности “суровый стиль” был сверху противопоставлен родившемуся в начале шестидесятых годов андеграунду».

Неоспоримо одно: художники «сурового стиля» смогли привнести в отечественное реалистическое фигуративное искусство новую эстетику, почерпнутую ими как в образах средневековых фресок, росписях Раннего Возрождения, так и в работах русской реалистической школы живописи, первой волны русского авангарда и современных им западных художников.

Немалую роль в формировании этой новой эстетики сыграло искусство Рокуэлла Кента. В 1958 и 1960 годах в Москве с аншлагом прошли две его персональные выставки, по окончании которых Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина получил в дар от автора около тысячи произведений. Новый, незнакомый художественный язык Кента стал для молодых, только что завершивших академическое образование художников глотком северного воздуха - холодного, свежего и чистого. Глотком, если угодно, «мужского» искусства - прямого, без намеков и полутонов, сдержанного и безусловно правдивого. Свое дело, быть может, сделала и повальная увлеченность советских мальчишек Джеком Лондоном - и оказалось, что так можно писать не только книги, но и картины, - словом, молодые Кента поняли и поверили ему. Художник стал настолько популярен, что в середине 1960-х годов и после на русский язык были переведены несколько автобиографических книг Кента: «Это я, Господи!», «В диком краю («Дневник мирных приключений на Аляске»)», «Гренландский дневник», «Саламина» и др.

Образование, знакомство с тем, что делали художники других эпох и культур, подготовило в художниках «сурового стиля» хорошую почву для собственного опыта. В 1961 году Оссовский отправился в свою первую длительную зарубежную творческую поездку - в Мексику и на Кубу, и там «почувствовал, что нашел свой собственный стиль». Потом были неоднократные поездки по Европе - в Италию, Чехию, Словакию и Болгарию. В этот период его интересовало всё - природа, города, архитектура, люди, главное - люди. К началу 1970-х все большее место в его творчестве начал занимать пейзаж: «Территория моего творчества - от берегов Байкала до вод Карибского моря».

В 1966 Пётр Оссовский впервые приехал в Псков, и с этого времени Псков и Изборск стали тем источником не только вдохновения, но и сил и самого существования, к которому художника тянуло неудержимо и у которого он в конце концов обрел себя. «Благодаря Пскову и его людям ко мне пришло особенное понимание русских традиций и культуры», - говорит об этом художник.

Вдохновленный русской стариной, он обратился к историческим, культурным корням, и вскоре нашел сюжет, который разрабатывает с середины 1970-х до наших дней, не повторяясь и не уставая, - это исторические, культовые монументальные архитектурные сооружения (кремли, соборы, церкви) на фоне вечности (незыблемой небесной тверди) - спокойные и статичные на контрастном фоне напряженного неба.

Оссовский настолько увлечен Псковом, что в 1975 году он организовал там свою юбилейную, к 50-летию со дня рождения, выставку «На земле древнего Пскова». Эта выставка стала первой из многих в его многолетней творческой деятельности в Пскове и на псковской земле.

Работы Оссовского последних десятилетий - это работы православного художника, наполненные отсылками к событиям из истории Древней Руси. Пожалуй, только сдержанный, лапидарный колорит, почти графичные силуэты его храмов на фоне неба и строгая северная природа его пейзажей выдают в нем художника «сурового стиля».

Искусство Оссовского было высоко оценено официальными художественными институциями. В 1979 году Оссовский награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», а в 1985 году он получил Государственную премию СССР за цикл картин о Московском Кремле (1978–1985): «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году Петру Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР. В 1997 году он был удостоен Золотой медали Российской академии художеств за выставку произведений, показанных в ее залах годом ранее.

22 февраля 2013 года Пётр Оссовский был награжден орденом «За заслуги перед Отечеством» III степени. «Я верю, - сказал художник, принимая награду, - что у русского реализма есть будущее, ибо народ наш не может жить без искусства духовного, делающего жизнь человека богаче и ярче, наполненного чувствами и мыслями, возвышающими его самого и его воистину великую землю».

Один из самых ярких представителей «сурового стиля», мастер пейзажа, «музейный» художник, он и сегодня остается в центре внимания публики.

Работы П. Оссовского ценятся и на арт-рынке. Его картины можно встретить как на стенах галерей, так и в каталогах около десятка аукционных домов. В нашем